arte y espiritualidad

Nos acercamos al cierre de una campaña impulsada por la familia del artista Oscar Sánchez Kelly, que gira en torno a una causa de vital importancia: solicitar al Gobierno de la Provincia del Chaco la reanudación de las obras de rehabilitación del edificio designado, mediante el Decreto 2023-976 Chaco, del 24 de abril de 2024, como sede del Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly, ubicado en la calle Julio A. Roca 233 de Resistencia. Estas obras, actualmente suspendidas indefinidamente, representa una oportunidad invaluable para preservar y difundir no solo el legado artístico de Sánchez Kelly, sino también de otros grandes artistas que conforman el patrimonio cultural de la provincia, contribuyendo al desarrollo socio-educativo y económico de nuestra comunidad. Durante estos dos meses, hemos compartido artículos que destacan experiencias similares en ciudades y países donde el arte ha transformado destinos y revitalizado comunidades. Además, hemos presentado argumentos sólidos que justifican esta petición y subrayan la importancia de este espacio para el futuro del arte y la educación artística en nuestra región. La campaña culminará el próximo 15 de noviembre del cte., y hacemos un llamado a quienes aún no se han sumado para que lo hagan enviando su adhesión a museosanchezkelly@eternityediciones.com. Este es un último gesto de apoyo a una iniciativa que tiene el poder de transformar la manera en que Resistencia y la Provincia del Chaco abrazan la cultura, incrementando la infraestructura necesaria para albergar el inmenso caudal creativo de tantos artistas que anhelan una oportunidad de visibilizar su obra, de estudiantes que desean aprender de los grandes maestros, y de toda la comunidad artística de la región que encuentra en este proyecto una promesa de crecimiento y proyección. Los promotores de esta campaña agradecemos profundamente a todos los que ya han expresado su adhesión y compromiso con esta causa. Su respaldo es el pilar que sostiene nuestra visión y el motor que nos impulsa a seguir adelante. Dra. Perla Guggiana. Dra. Claudia G. Sánchez. Fernando Sánchez

Afirmar que la obra de Sánchez Kelly también es consciencia, se fundamenta en un análisis cuidadoso de las obras del artista, su extensa trayectoria como docente en la Universidad Nacional del Nordeste (UNNE) en Argentina, y los numerosos premios y reconocimientos obtenidos a lo largo de su carrera. Además, refleja las profundas reflexiones filosóficas que acompañan su obra, recopiladas en un fondo bibliográfico compuesto por doce títulos, entre los cuales sobresale "El universo sin costuras del arte. Diálogo entre artistas. El hilo de oro". El término "consciencia" no solo celebra la dimensión estética de las creaciones de Sánchez Kelly, sino que también pone de relieve su compromiso con la introspección, el autoconocimiento y el despertar de la consciencia, reflejando su constante búsqueda por explorar y comprender la naturaleza humana y su verdadera esencia. El arte de Sánchez Kelly se distingue por ser un medio de introspección filosófica y por abordar temas universales que resuenan con las inquietudes de la sociedad contemporánea, como el despertar de la consciencia a través del arte. Para Sánchez Kelly, la consciencia es un medio de transformación que invita al espectador a reflexionar a través de la interacción con la obra de arte. De este modo, se genera un espacio donde se enfrentan tanto la dimensión estética como las emociones y pensamientos propios del espectador, conduciéndolo hacia un proceso de autodescubrimiento. En un mundo saturado de estímulos digitales, donde la innovación tecnológica redefine el espacio museístico, surge la necesidad de un enfoque que recupere la reflexión filosófica en el arte. No se trata solo de observar, sino de mirar hacia adentro. Si bien la tecnología ha revolucionado la manera en que interactuamos con el arte, sigue siendo imprescindible el papel de la introspección y la reflexión profunda para comprender nuestra existencia y el entorno que nos rodea. El "Museo Sánchez Kelly se concibe como un lugar de encuentro y diálogo, donde las obras no son meras representaciones visuales, sino invitaciones a participar activamente en un diálogo introspectivo, impulsado por la creatividad y el lenguaje artístico. Este enfoque busca motivar al visitante a una mayor comprensión del sentido de la vida y al despertar de la consciencia. El proceso de transformación interior es central en la filosofía de la obra de Sánchez Kelly, actuando como catalizador para el despertar de la consciencia. A través de sus dibujos, pinturas y grabados, el espectador es guiado hacia una experiencia en la que el arte se convierte en una fuerza transformadora. El título término ”Consciencia" destaca el papel del arte no solo como una forma de expresión estética, sino también como un vehículo para el desarrollo de la consciencia. Las obras de Sánchez Kelly invitan a los espectadores a trascender la mera observación, participando en un diálogo introspectivo donde el arte sirve como un instrumento para la mente y el espíritu. Este lenguaje universal conecta a individuos y culturas en una búsqueda común de significado y verdad, creando un espacio donde el aprendizaje es continuo y el arte inspira y educa, fomentando una comprensión más profunda de nosotros mismos y del mundo que nos rodea. El proyecto Museo Sánchez Kelly que venimos reivindicando para la Provincia del Chaco representa un espacio en el que convergen el arte, la filosofía y la educación, reflejando no solo la vida y obra de un artista que veía en la creación un camino hacia el autoconocimiento y el despertar de la consciencia, sino también un poderoso instrumento de transformación individual y social. Ese es su mayor legado.

El arte contemporáneo presenta hoy como un vasto territorio donde convergen múltiples lenguajes, conceptos y técnicas que reflejan la pluralidad de voces de nuestro tiempo. En su esencia, este arte desafía las fronteras tradicionales, entrelazando lo global y lo local, lo tecnológico y lo ancestral, abriendo nuevas dimensiones de exploración tanto estética como filosófica. La interdisciplinariedad y la interacción con el espectador cobran un protagonismo sin precedentes, impulsando una reflexión profunda sobre nuestra realidad y la consciencia humana. Dentro de este contexto, El Universo Sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro traza un recorrido singular, invitándonos a redescubrir el arte desde una visión holística que entrelaza lo inmaterial con lo tangible, en un diálogo profundo entre creadores que trasciende las fronteras del tiempo y el espacio. Visión holística del arte: El libro ofrece un enfoque holístico del arte unificando las perspectivas de artistas de diversas épocas y cultura, en un diálogo coherente. A diferencia de estudios que segmentan el análisis del arte por periodos históricos, estilos o geografía el Universo sin Costuras rompe estas barreras destacando los vínculos y continuidad de la experiencia artística global. Este enfoque subraya la universalidad de ciertos temas y emociones humanas, promoviendo una visión del arte que conecta a la humanidad a través de un hilo de oro. Diálogos activos: La utilización del formato de diálogo entre Sánchez Kelly y 70 artistas, permite que las ideas y reflexiones se presenten de manera vivida y personal, creando la sensación de una conversación continua. Este enfoque acerca a los artistas históricos y contemporáneos, ofreciendo una perspectiva humana de sus procesos creativos y sus contextos personales y culturales. La dualidad y la integración: El libro aborda el tema de la dualidad- luz-sombra; trivial-esencial; tradición-modernidad; demostrando como estos opuestos no solo coexisten sino se integran para formar un todo coherente. Esta visión desafía la tendencia a ver los opuestos en conflicto proponiendo un cambio de perspectiva, destacando la riqueza que surge de la interacción de elementos aparentemente contradictorios. Invita a apreciar la complejidad y la profundidad el arte contemporáneo. La introspección y la Meditación: La obra destaca la introspección y la meditación no solo como fuentes de inspiración, sino como procesos fundamentales para la autenticidad creativa. Desde esta perspectiva, se presenta la creación artística como un acto de autoexploración y de comunicación, donde la verdadera plenitud del arte se alcanza a través de una profunda conexión con uno mismo. Esta visión ofrece una renovada perspectiva del papel del artista y del proceso creativo en el arte contemporáneo. Crítica a los Valores y Sistemas Establecidos: El libro no solo explora las obras de arte en si, sino que ofrece una crítica de los valores y estructuras sociales que influyen en la creación y percepción del arte. Sánchez Kelly y los artistas participantes cuestionan los ideales fraudulentos y las normas impuestas, promoviendo una visión del arte como un medio para desafiar y transformar la sociedad. Se destaca el poder del arte contemporáneo como una fuerza de resistencia y cambio, promoviendo la autenticidad que trasciende las convenciones. La innovación y el Arte Inmersivo: La obra aborda el arte inmersivo no como una tendencia pasajera, sino como una innovación significativa capaz de transformar el modo de interactuar con el arte. El arte inmersivo convierte al espectador en parte integral de la obra. Sánchez Kelly y sus interlocutores exploran esta forma en términos de percepción, interacción y significado. Este enfoque implica un cambio paradigmático en la relación entre el espectador y la obra de arte, ampliando las fronteras de la experiencia artística. La Diversidad y la Inclusividad: “El Universo sin Costuras” celebra la diversidad e inclusividad al reunir a artistas que representan una amplia gama de experiencias y perspectivas, promoviendo el arte contemporáneo como un campo inclusivo y plural. Reconoce y valora las contribuciones de artistas de diferentes orígenes y contextos, desafiando la narrativa dominante y ampliando la comprensión del arte contemporáneo. Conexión entre lo interno y lo externo: A través de los diálogos, el libro revela como los artistas reflejan su mundo interno en sus obras mientras responden a las influencias externas. Esta dinámica ofrece una comprensión más profunda de como las experiencias personales, el contexto social y cultural, y los desafíos propios de cada artista, se integran para formar una obra de arte, promoviendo una visión holística de la experiencia creativa. La temporalidad y la permanencia: El libro examina cómo las obras de arte pueden capturar momentos efímeros y emociones temporales, a la vez que logran una resonancia duradera. Esta reflexión sobre la temporalidad y la permanencia subraya la capacidad del arte para conectar generaciones y culturas, ofreciendo una visión atemporal de la experiencia humana. También destaca la importancia de la memoria y la continuidad en el arte, y cómo las obras pueden perdurar y seguir siendo significativas a lo largo del tiempo. Innovación en la Representación del Espacio y la Realidad; A través de sus diálogos, el libro muestra cómo los artistas contemporáneos experimentan con la representación del espacio y la realidad, utilizando técnicas innovadoras y enfoques conceptuales para desafiar las percepciones convencionales. Esta exploración incluye el uso de medios digitales, instalaciones inmersivas, y nuevas formas de narrativa visual. Al poner de relieve estas innovaciones el libro promueve una visión del arte contemporáneo como un campo en constante evolución, donde la creatividad y la experimentación son esenciales para la comprensión y representación de la realidad. En conclusión, “El Universo Sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro es una obra que desafía los enfoques convencionales del arte contemporáneo, ofreciendo una perspectiva profunda y renovada. Al trascender las divisiones tradicionales nos invita a reconsiderar la experiencia artística como un fenómeno global y atemporal, donde las fronteras entre lo material y lo inmaterial, lo individual y lo colectivo, se difuminan en un diálogo fecundo y continuo. La visión holística que propone impulsa un cambio de paradigma que reivindica la capacidad del arte como una fuerza vital capaz de generar transformación individual y colectiva que, en su interacción con la conciencia y la realidad. Este libro tiene el poder de despertar nuevas formas de pensar, de sentir y de actuar, invitando a artistas, críticos y espectadores a revalorizar el papel del arte no solo como un medio de expresión, sino como una herramienta poderosa de transformación que nos conecta con lo más esencial de nuestra humanidad y nos impulsa a imaginar nuevas realidades. Fotografía: obra de la artista Silvia Kum.

“El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro”, autoría de Claudia G. Sánchez y Perla Guggiana, es nuestro tributo a Sánchez Kelly y todos los artistas y creadores que, con pincel, paleta o palabra, han intentado capturar la esencia efímera de la existencia. Es también un recordatorio de que, en un universo sin costuras, todos somos hilos entrelazados de un vasto y magnifico tapiz-sin costuras-tejido con amor, pasión y arte. Esta obra renueva el paradigma del arte contemporáneo al tejer un diálogo transcultural y atemporal. Aunque compartimos autoría, los diálogos, núcleo de este trabajo, pertenecen exclusivamente a Claudia G. Sánchez, quién nos ofrece una visión inclusiva y transformadora del arte. Al explorar la dualidad y la integración, define el arte como un vehículo de comprensión intercultural y cohesión social, subrayando su poder para forjar un legado cultural imperecedero. 1.Significación. “El Universo Sin Costuras del Arte” presenta una visión del arte como un ente unificado y continuo, sin divisiones ni fronteras, donde todas las formas artísticas están interconectadas formando un tejido cohesivo que trasciende las diferencias culturales, temporales y estilísticas. La idea de un “universo sin costuras” hace referencia a una visión holística en la que el arte, en su totalidad, es más que la suma de sus partes. Cada obra, cada artista y cada movimiento contribuyen a un todo integrado y coherente. Desde esta perspectiva, el arte se concibe como un proceso dinámico y en constante evolución, donde la creatividad fluye libremente a través del tiempo y el espacio, promoviendo un diálogo y transformación permanente. Desde la lingüística, la metáfora “El Universo Sin Costuras del Arte” expresa la idea del arte como un todo integrado, evocando la imagen de un tejido perfectamente continuo, sin marcas de separación, para enfatizar la integridad y cohesión del arte en su conjunto. El término “universo” tiene un alcance amplio e inclusivo, abarcando todas las formas de expresión artística y todas las épocas históricas, expresando la comprensión de la universalidad del arte. El término “Diálogo” subraya la importancia de la interacción y la comunicación entre artistas, resaltando el valor del intercambio de experiencias y perspectivas, enriqueciendo la comprensión y práctica del arte. “Diálogo" implica también un intercambio activo y bidireccional de ideas, no un monólogo ni una serie de declaraciones unilaterales, sino una conversación en la que múltiples voces contribuyen a un entendimiento común. El uso del plural "artistas" refuerza la idea de la inclusión de múltiples perspectivas y la riqueza que proviene de la diversidad de pensamientos y experiencias. La palabra "entre" indica una pluralidad de voces y enfoques, donde el entendimiento del arte se enriquece a través de las diversas contribuciones y colaboraciones. “El Hilo de Oro” simboliza en la filosofía y la mitología, una conexión sagrada o divina que une diferentes elementos. Aquí, se subraya la “esencia” o principio fundamental que conecta todas las formas y expresiones más allá de lo artístico, uniendo pasado, presente y futuro. El “oro” simboliza pureza y valor, y en este contexto, la verdad universal y la belleza intrínseca del arte, que subyace en todas sus manifestaciones. La imagen del "hilo de oro" evoca un elemento de valor que se extiende a través del tiempo y el espacio, guiando y conectando, proporcionando continuidad y dirección a la narrativa, para comunicar la idea de unidad, y valor inherente en el arte. Finalmente, el título "El Universo Sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas, El Hilo de Oro" representa una visión filosófica profunda del arte como un tejido continuo de ideas y expresiones, interconectado y enriquecido por la interacción entre artistas, sostenido por una esencia universal que le da coherencia y significado a través del tiempo y las culturas. 2. Intención y Tesis. La intención profunda del libro es explorar el sentido trascendente del arte. Este enfoque no se centra solo en la obra de SANCHEZ KELLY y su diálogo con otros artistas emblemáticos, sino que abarca un examen más amplio, presentando el arte no solo como una manera de hacer, sino de aprehender la realidad, no como la forma exterior, sino como la esencia de las cosas. El arte se concibe aquí como un puente entre diferentes tiempos, culturas y concepciones del mundo, ofreciendo una ventana hacia la esencia común de la experiencia humana. La tesis central de “El Universo sin costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro”, es manifestar la no dualidad en el arte, que no es cuestión de modas, tiempos ni actos volitivos. Es una invitación a cruzar el umbral hacia un espacio de pura esencia, donde prevalece la unidad del ser, del mundo y de la vida. El libro ofrece una perspectiva que trasciende las divisiones artificiales entre distintos periodos y estilos artísticos, buscando encontrar la esencia subyacente y las verdades universales que conectan entre sí a las obras de diferentes creadores, independientemente de su contexto histórico y geográfico. Ese objetivo se realiza a través de diálogos virtuales entre obras, donde Claudia G. Sánchez interpreta y analiza las conexiones subyacentes entre las piezas de Sánchez Kelly y la de otros artistas, revelando paralelismos y contrastes que trascienden el tiempo y el espacio. El libro no solo pretende ser una celebración de la creatividad artística de figuras específicas en la historia del arte, sino también un medio para reflexionar sobre cuestiones más profundas de la existencia humana, la naturaleza del ser y la capacidad del arte para revelar verdades ocultas sobre nosotros mismos y el mundo que nos rodea. Esta obra propone una mirada al arte como un lenguaje universal capaz de revelar la interconexión de la experiencia humana a través del diálogo. Es una invitación a los lectores a contemplar el arte no solo como una expresión de la individualidad del artista, sino como un viaje introspectivo que puede influir en la comprensión de su propia vida y la realidad. Al mismo tiempo, desafía al lector a buscar significados y conexiones profundas, conectando a través de experiencias estéticas, emocionales y espirituales compartidos, que promueven el entendimiento intercultural. En conclusión, el libro resalta el potencial del arte para fomentar la paz y la cohesión global, revelando la consciencia de unidad, esencial para superar los desafíos contemporáneos. Foto obra del artista Rodolfo Schenone.

Nos complace anunciar que seis bibliotecas públicas de la ciudad de Resistencia han recibido ejemplares del libro El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro, una obra singular presentada por el arquitecto Dr. Gabriel Romero durante la Feria Internacional de Arte A362. Este libro invita a explorar la universalidad del lenguaje artístico, superando las divisiones tradicionales de la historia del arte. Este libro desafía las convenciones dualistas que suelen dividir a los artistas y los movimientos artísticos en compartimentos estancos. En lugar de presentar una narrativa lineal, nos revela la profunda interconexión que une a los creadores a través de un "hilo de oro", invisible pero palpable, que atraviesa generaciones, estilos y culturas. Este hilo simbólico representa la esencia compartida del arte, donde las diferencias estéticas se disuelven para resaltar un diálogo universal entre artistas. La donación de estos ejemplares a las bibliotecas públicas: Leopoldo Herrera, Bernardino Rivadavia, Biblioteca Especializada “Carlos Schenone”, Biblioteca Central de la UNNE; Biblioteca FADYCC (faculta de Arte y Diseño UNNE y Biblioteca MUBA (Museo de Bellas Artes René Brusau), no solo contribuye al enriquecimiento del fondo bibliográfico de la ciudad, sino que también ofrece al lector una ventana única a este diálogo creativo. El Universo sin Costuras del Arte es una obra no convencional que celebra la capacidad del arte para trascender fronteras y nos recuerda que los creadores, aunque separados por el tiempo y el espacio, están intrínsecamente conectados por una misma fibra: la búsqueda del sentido de la vida y lo trascendental a través de sus obras. Este libro será de especial interés para estudiantes, artistas y cualquier amante del arte que busque comprender la conexión profunda entre creadores, y su presencia en nuestras bibliotecas reafirma el compromiso de ofrecer acceso universal al conocimiento. Las bibliotecas públicas, al custodiar las obras, se consolidan como faros de aprendizaje y cultura, espacios donde el arte y el saber se unen para fomentar el diálogo y la reflexión. En este contexto, la obra de Oscar Sánchez Kelly, artista profundamente comprometido con una visión filosófica y consciente del arte, también encuentra un lugar. Su legado artístico, además de su fondo bibliográfico, forma parte del patrimonio cultural que sus herederos desean compartir y preservar en beneficio de la comunidad. Esta contribución al patrimonio bibliográfico de la provincia subraya la importancia de completar las obras de rehabilitación del futuro Museo Provincial de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly. Con la creación de este espacio y la puesta en valor de su legado, tanto en el museo como en las bibliotecas públicas, que ahora resguardan parte de su legado, no solo entregamos un libro, sino que compartimos un legado artístico que trasciende fronteras y tiempos. El Universo sin Costuras del Arte ahora habita en el corazón de nuestras bibliotecas públicas, recordándonos que el arte, como un hilo dorado, nos une en un diálogo universal. Con la esperanza de que estas páginas inspiren a nuevas generaciones, reafirmamos nuestro compromiso con la preservación del patrimonio cultural y la culminación de un espacio destinado a honrar la obra de Sánchez Kelly: el futuro Museo de Arte Contemporáneo que será símbolo de la fuerza transformadora del arte en nuestra provincia. Fotografía de la biblioteca Montserrat Abelló de Barcelona, un homenaje al libro "El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro".

La Feria Internacional de Arte A362, abre sus puertas en el emblemático Club Social de Resistencia los días 10, 11, 12 y 13 de octubre de 2024, se presenta como un espacio donde convergen la excelencia artística y el pensamiento crítico contemporáneo. Este evento es una celebración de la creatividad en todas sus formas, diseñado para destacar el arte como motor transformador de la sociedad y para invitar al diálogo entre artistas, académicos y público en general. La Feria Internacional de Arte A362 no solo es un evento de alto impacto cultural sino una invitación a redescubrir el arte como generador de nuevas perspectivas en la sociedad contemporánea. A 362 promete ser un encuentro de resonancias culturales, un escenario donde la creación artística se erige como puente entre lo local y lo global, y un espacio donde el arte trasciende lo estético para convertirse en una plataforma de cambio. A 362 ofrece un programa cuidadosamente diseñado en un recorrido de exquisita diversidad, incluye la presentación de obras seleccionadas bajo la dirección del curador Daniel Fischer que reflejan las búsquedas estéticas y conceptuales más relevantes del arte actual; una donación de obras por parte de la Academia Nacional de Bellas Artes al Museo Provincial de Bellas Artes de Resistencia, - MUBA- reafirmando su compromiso con el patrimonio cultural. Una distinción especial será otorgada al profesor, crítico de arte y gestor cultural Ticio Escobar, una de las figuras más influyentes en el pensamiento sobre el arte latinoamericano, quien recibirá el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Nacional del Nordeste, reconociendo su invaluable contribución a la teoría y gestión del arte latinoamericano y su trayectoria en la investigación y promoción de las culturas indígenas y contemporáneas. Las jornadas contarán con un abanico de actividades que incluyen charlas abiertas y conversatorios con personalidades distinguidas del ámbito cultural, profundizando en temas como el localismo y la realidad contemporánea. A través de la iniciativa promovida por la Asociación de Diseñadores Nacionales (DINA) ofrecerá una muestra de diseñadores de la región y de estudiantes de la Licenciatura en Diseño de Indumentaria y Textil de la Universidad de la Cuenca del Plata que permitirá explorar la innovación en las artes aplicadas. De la misma manera, se presentará un fascinante proyecto de arquitectura e interiores en sintonía con el paisaje vitivinícola de las bodegas de Mendoza, un estudio que invita a repensar la relación entre diseño y entorno natural. El componente académico de la feria será realzado con la presentación de la revista Temas: XX Archivos, Políticas y Poéticas, seguida de una charla abierta que promete abordar los cruces entre el arte, la política y la memoria. En este contexto, el presidente del Fondo Nacional de las Artes, Tulio Andreussi Guzmán, ofrecerá un conversatorio sobre el impacto federal del Fondo en la promoción de la cultura, brindando una visión estratégica sobre el futuro del arte en Argentina, destacando su rol esencial en la democratización de las oportunidades para los artistas emergentes y establecidos. Entre los momentos esperados e encuentra la presentación de dos libros fundamentales para el debate artístico contemporáneo: El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro, , y Distopías y Microutopías, ambos abordan con lucidez los desafíos estéticos y filosóficos de nuestro tiempo. La presentación del libro “El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro”, de las Dras. Claudia G. Sánchez y Perla Guggiana, tendrá lugar el sábado 12 de octubre a las 18:30 horas., será presentado por el Arq. Dr. Gabriel Romero, Decano de la Facultad de Arte y Ciencias de la Cultura de la UNNE, quien ofrecerá una introducción a esta obra, que invita a los lectores a explorar las conexiones invisibles que entrelazan las manifestaciones artísticas a lo largo del tiempo y el espacio. El Universo sin Costuras del Arte es una reflexión profunda sobre cómo el arte trasciende fronteras, conectando sensibilidades diversas en un flujo continuo de creatividad que atraviesa la historia. El subtítulo, El Hilo de Oro, evoca la conexión intrínseca entre las obras de arte y las corrientes filosóficas que las sostienen, subrayando la importancia de este tejido invisible que une las experiencias individuales y colectivas de los artistas, Todo ello será amenizado por un exquisito programa musical que recorrerá los sonidos del jazz, soul y funk, con presentaciones en vivo y la participación de bandas y cuartetos, generando un ambiente propicio para la reflexión y el disfrute sensorial. La Feria Internacional de Arte A362 es mucho más que un evento; es un espacio donde lo efímero del evento encuentra su eco en la eternidad del arte y la filosofía. A362 se distingue en el panorama global por su capacidad para conjugar la frescura de una región en pleno florecimiento cultural con la profundidad de un pensamiento curatorial que trasciende las modas pasajeras. A diferencia de las grandes vitrinas comerciales del arte, A362 no busca solo mostrar, sino crear un tejido palpitante donde las voces emergentes dialogan con las consagradas, en un entorno que privilegia la reflexión sobre el espectáculo, la interrelación sobre la transacción. Lo que hace única a A362 es su compromiso con la autenticidad. Su esencia radica en un delicado equilibrio entre las vanguardias y las raíces locales, donde cada obra es un testimonio de la conexión íntima entre el arte y su contexto. Es en este cruce entre lo global y lo regional donde la feria se diferencia de otras: aquí, el arte no es solo objeto de consumo, sino puente que transforma realidades, que enciende nuevas perspectivas y que invita a repensar el rol del creador y del espectador en el devenir cultural. En un mundo saturado de imágenes, A362 destaca por su capacidad de construir un diálogo profundo entre las estructuras permanentes que sostienen la memoria cultural y la fuerza renovadora de los encuentros temporales, tejiendo relaciones duraderas entre museos, artistas, coleccionistas , galerías y público, asegurando que su impacto no se disipe con el fin del evento, sino que continúe reverberando en el tiempo. Así, A362 es un espacio donde lo sensorial y lo intelectual se entrelazan, un escenario en el que la cultura no solo se celebra, sino que se reinventa, proyectando a Resistencia y la región hacia un horizonte más amplio, donde lo íntimo y lo universal se encuentran en perfecta armonía. A362 no es solo una feria; es una semilla de transformación, un legado vivo que florece y se proyecta hacia el horizonte en un futuro lleno de nuevas posibilidades. Nuestro sincero agradecimiento y felicitaciones al esfuerzo e impulso del Comité Ejecutivo; a D. Marilyn Cristófani cuyo liderazgo, determinación y visión han hecho posible que la Feria Internacional A 362 se materialice en Resistencia, superando grandes desafíos, al Arq. D. Gabriel Romero por la presentación de nuestro libro El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro; nuestro agradecimiento a nuestros amigos y colaboradores que nos representan D. Ángela Ayala y Rubén Sosa por su permanente apoyo a nuestra labor. Nuestro agradecimiento a los artistas, docentes, gestores, personas e instituciones que hacen grande al arte y cultura del Chaco más allá de los desafíos y avatares. Éxito.

La organización de una feria internacional de arte en una ciudad emergente es un desafío repleto de posibilidades y oportunidades únicas. Aunque los recursos económicos puedan ser limitados, el abundante capital humano en artistas y creadores ofrece una base sólida para construir un evento de relevancia internacional. Adaptar los elementos clave de una feria trascendente al contexto local es esencial para asegurar su éxito y perdurabilidad en estas ciudades que buscan posicionarse en el mapa cultural global. Aspectos a considerar: Una Visión Curatorial Distintiva y Auténtica: El corazón de la feria debe latir al ritmo de la identidad cultural de la ciudad anfitriona. Una visión curatorial que resalte las expresiones artísticas locales y regionales, integrando las voces de artistas tanto emergentes como consagrados, puede ofrecer una perspectiva fresca y original en el panorama del arte. El comité curatorial, compuesto por expertos que comprenden las particularidades del arte local, podrá destacar temas y narrativas que resuenen a nivel nacional y global, posicionando a la feria como un referente de innovación y autenticidad. Participación de Galerías y Colectivos Locales: Potenciar la participación de galerías locales y colectivos de artistas es una estrategia efectiva para ciudades emergentes. Estas entidades pueden actuar como embajadoras del talento regional, presentando obras que reflejen la riqueza cultural y la diversidad creativa de la zona. Fomentar colaboraciones con galerías de otras regiones y países también puede ampliar la visibilidad de los artistas locales y crear vínculos que beneficien a todos los involucrados. Construcción de una Red de Coleccionistas y Apoyo Comunitario: En contextos con recursos económicos limitados, es fundamental cultivar relaciones con coleccionistas nacionales y regionales, así como con instituciones y empresas que apoyen el desarrollo cultural. La feria puede servir como plataforma para conectar a artistas con compradores interesados en descubrir nuevas propuestas. Además, involucrar a la comunidad y al sector empresarial local puede generar un ecosistema de apoyo que impulse el crecimiento sostenible del evento. Programa Educativo y Espacios de Diálogo: La feria debe ir más allá de la exhibición de obras, convirtiéndose en un espacio de encuentro y aprendizaje. Organizar talleres, charlas y mesas redondas que aborden temas relevantes para la comunidad artística y el público general enriquece la experiencia y fortalece el impacto cultural. Involucrar a universidades, escuelas de arte y centros culturales locales en la programación educativa promueve el intercambio de conocimientos y fomenta el desarrollo del talento artístico. Cooperación Internacional y Redes Regionales: Establecer alianzas con instituciones culturales, embajadas y organizaciones internacionales puede ampliar el alcance de la feria. La colaboración con ferias y eventos en otras ciudades emergentes puede generar intercambios artísticos y oportunidades de proyección para los artistas locales. Estas redes de cooperación fortalecen la posición de la ciudad en el mapa cultural y promueven un diálogo intercultural enriquecedor. Ubicación Estratégica y Contexto Cultural Único: Las ciudades en expansión suelen contar con un patrimonio cultural único que puede ser aprovechado para diferenciar a la feria en el circuito internacional. La combinación de un entorno urbano en desarrollo y una vibrante comunidad creativa puede atraer a visitantes en busca de experiencias auténticas y novedosas. La ciudad se convierte así en un escenario ideal para una feria que celebra la creatividad y la innovación, ofreciendo una perspectiva renovada en el panorama global del arte. Innovación y Adaptabilidad: Las limitaciones económicas pueden ser un catalizador para la creatividad y la innovación. La feria puede incorporar formatos alternativos y utilizar espacios no convencionales, como intervenciones en espacios públicos o exhibiciones virtuales, para maximizar el impacto con recursos limitados. El uso de tecnologías digitales y redes sociales puede ampliar la audiencia y ofrecer experiencias interactivas que atraigan a un público más joven y global. Visibilidad y Cobertura Mediática Estratégica: Desarrollar una estrategia de comunicación efectiva es crucial para aumentar la visibilidad de la feria. Aprovechar los medios locales y regionales, así como las plataformas digitales, permitirá difundir el evento y destacar sus características únicas. Contar historias atractivas sobre los artistas y las obras presentadas genera interés y atrae la atención de medios nacionales e internacionales especializados en arte y cultura. Compromiso con el Desarrollo Cultural y Social: La feria debe ser vista como una iniciativa que contribuye al desarrollo integral de la ciudad. Al enfocarse en el impacto social, la inclusión y la sostenibilidad, el evento puede generar un sentido de pertenencia y orgullo en la comunidad. Programas que involucren a jóvenes, poblaciones vulnerables y proyectos comunitarios amplían el alcance y la relevancia de la feria, consolidándola como un motor de transformación social. La realización de la feria internacional de arte destaca la relevancia de fortalecer y ampliar las estructuras culturales existentes en la ciudad. La coexistencia de los museos ya establecidos, junto con la eventual inauguración del Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly—cuyas obras de rehabilitación esperan ser concluidas—, enriquece el tejido artístico local. Al integrar estas instituciones significativas, se potencia no solo el alcance de la feria y otros eventos de alto impacto, sino que también se asegura la perdurabilidad de sus frutos, creando un legado cultural duradero. La sinergia entre los museos y la feria genera un círculo virtuoso que amplifica el impacto cultural y económico, proyectando a la ciudad hacia un reconocimiento internacional y celebrando la riqueza de su creatividad e innovación artística.

En el ecosistema del arte contemporáneo, los eventos de alto impacto son hitos culturales que, por su magnitud, calidad y trascendencia, generan transformaciones profundas tanto en el panorama artístico como en las dinámicas sociales y económicas de las regiones que los acogen. Estos eventos —ferias internacionales, bienales, exposiciones temáticas y festivales— actúan como catalizadores de nuevas tendencias, redes de colaboración y oportunidades para artistas, curadores, galerías y coleccionistas. Lejos de ser simples encuentros comerciales, estos acontecimientos redefinen el mapa cultural global y consolidan el posicionamiento de una ciudad o región. Su impacto va más allá de lo efímero, influyendo de manera duradera en el arte, la economía y la sociedad. La selección de las obras, esencial en su organización, y la capacidad de atraer una audiencia global son claves para propiciar la reflexión y el diálogo intercultural, generando una visibilidad que trasciende los medios de comunicación y el mercado. Los aspectos más sobresalientes de estos eventos incluyen: • Innovación Artística y Curatorial: Un evento de alto impacto se distingue por presentar propuestas artísticas que desafían convenciones y aportan frescura al panorama global. La curaduría introduce enfoques innovadores que no solo destacan lo mejor del arte contemporáneo, sino que también marcan futuras tendencias. • Escala Global y Diversidad Internacional: Estos eventos congregan a artistas, curadores, galerías, coleccionistas y público de todo el mundo. La diversidad cultural y geográfica enriquecen el intercambio de ideas desde distintas perspectivas del arte contemporáneo. • Relevancia Cultural y Social: Más allá de su dimensión artística, estos eventos abordan temas cruciales para la sociedad actual como la justicia social, el medioambiente, la tecnología y la globalización, resonando con un público más amplio y generando debates críticos más allá del mundo del arte. • Colaboración Nacional e Internacional y Redes Globales: Estos eventos son epicentros de colaboración global, donde se forjan alianzas entre museos, instituciones culturales, galerías y artistas, propiciando nuevas exposiciones, intercambios y proyectos artísticos internacionales. • Impacto Económico y Turístico: Además de su valor cultural, estos eventos generan importantes beneficios económicos para las ciudades anfitrionas. Atrayendo turistas, profesionales del arte y medios de comunicación. • Visibilidad y Cobertura Mediática Global: La presencia de medios nacionales e internacionales amplifica su alcance. Estos eventos no solo logran visibilidad en los medios especializados de arte, sino también en la prensa general, televisión e internet, contribuyendo a la promoción global del arte contemporáneo. • Legado Duradero: Lejos de ser efímeros, estos eventos dejan un legado que transforma el ecosistema cultural y artístico de la región. A menudo impulsan la creación de nuevas instituciones, infraestructuras artísticas y políticas culturales con efectos perdurables. Entre los eventos más emblemáticos destacan: Bienal de Venecia Fundada en 1895, es un referente global que influye profundamente en las nuevas tendencias y en el posicionamiento de artistas en la escena internacional. Documenta (Kassel, Alemania): Celebrada cada cinco años, es un espacio crítico para la experimentación artística y la reflexión política. Art Basel (Basilea, Miami, Hong Kong): Esta feria internacional ha jugado un papel central en la globalización del mercado del arte contemporáneo. Bienal de São Paulo (Brasil): La segunda bienal más antigua tras Venecia, contribuye a la proyección del arte latinoamericano en el escenario internacional. Frieze Art Fair (Londres, Nueva York, Los Ángeles): Frieze ha transformado el modelo de feria de arte contemporáneo al fusionar la exposición comercial con programas educativos y comisiones de arte público. Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos): Reconocida por su enfoque vanguardista, ofrece un espacio de diálogo intercultural que promueve a artistas emergentes y aborda temas críticos desde una perspectiva árabe y global. En este contexto, la culminación de las obras del Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly en Resistencia es crucial para canalizar los innumerables beneficios que los eventos de alto impacto aportan al arte contemporáneo. Estos eventos trazan senderos de innovación y diversidad, pero el museo, en su forma sólida y silenciosa, captura esos destellos y los transforma en puentes, en diálogos que perduran y resuenan más allá del tiempo. En una ciudad como Resistencia- Chaco, donde eventos de alto impacto, laten con vigor, convocando miradas, artistas, curadores, coleccionistas y público de todo el mundo, el Sánchez Kelly se erige como una infraestructura cultural permanente, capaz de perpetuar los momentos fugaces de genialidad y conexión. Su poder radica en la permanencia, en la capacidad de consolidar relaciones culturales y artísticas a largo plazo. Al integrarse con estos eventos, no solo unirá a artistas, curadores y coleccionistas sino puede convertir, junto a otros museos locales, en el epicentro de una sinergia creativa y transformadoras que nutrirá el tejido cultural de la región, cristalizando nuevas oportunidades de colaboración, comentando diálogos creativos y potenciando el impacto cultural y económico La innovación y la diversidad que emanan de estos eventos refuerzan su relevancia como motores de cambio, posicionando al arte contemporáneo como un agente activo en el desarrollo de la sociedad. Un museo es más que una edificación: es un faro que ilumina las rutas invisibles del arte, un punto de encuentro donde las ideas encuentran refugio y lo efímero se transfigura en legado. Conectando las diferentes esferas del ecosistema artístico, el museo consolida la fluidez de las ideas en una orquesta de voces diversas, haciendo de lo local algo universal y de lo pasajero, un eco perenne que sigue brillando.

La cooperación internacional en arte y cultura actúa como un catalizador esencial, impulsando el crecimiento y la visibilidad global de artistas, instituciones y comunidades. Al tejer redes de colaboración entre países, se promueve un intercambio dinámico de ideas, conocimientos y prácticas artísticas, creando un espacio de diálogo que enriquece a creadores y público. La cooperación internacional no solo cruza fronteras geográficas, sino conecta culturas, fortaleciendo los vínculos entre las naciones a través del universo sin costuras del arte. Argentina, ha capitalizado las oportunidades de cooperación con naciones que han marcado el pulso cultural del mundo. España, Francia e Italia han sido socios fundamentales en la proyección internacional del arte argentino, facilitando la inserción de sus artistas, curadores y gestores culturales en prestigiosos circuitos globales, potenciado su visibilidad y acceso a valiosos recursos y conocimientos, esenciales para su evolución creativa y profesional. España a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), ha promovido residencias artísticas, intercambios expositivos y formación en gestión cultura con Argentina donde gestiona el Centro Cultural de España en Buenos Aires y dos centros asociados en Córdoba y Rosario que actúan como plataformas de cooperación en diversas áreas culturales. Ciudades como Madrid, Barcelona, Valladolid, Valencia y Sevilla han acogido a artistas argentinos, ofreciéndoles plataformas internacionales donde expandir su obra e integrar nuevas perspectivas europeas en su creación. Francia, fiel a su profunda vocación de apoyo a las artes, ha impulsado a través del Institut Français iniciativas clave, como residencias artísticas, exposiciones itinerantes y el intercambio de curadores y expertos. Estas colaboraciones han abierto las puertas de París a artistas argentinos, integrando su obra en prestigiosos circuitos internacionales. Italia, por su parte, ha potenciado estos lazos mediante su Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación Internacional, facilitando intercambios entre museos y centros de arte contemporáneo, lo que ha permitido a los artistas argentinos destacar en bienales y exhibiciones de gran relevancia global. En este escenario, el Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly puede sumarse a las instituciones locales impulsando con más fuerza el mapa de los intercambios culturales internacionales. Al integrarse en las redes ya establecidas de cooperación, pueden no solo ampliar las fronteras culturales del Chaco, sino posicionar a la provincia como un referente en el arte contemporáneo global. Aprovechando estas alianzas locales e internacionales, el museo podría atraer residencias artísticas, exposiciones itinerantes y proyectos colaborativos, situando a sus artistas y creadores en un diálogo continuo con las principales capitales culturales del mundo. La cooperación cultural entre España y Argentina ha sido un pilar sólido de desarrollo artístico e intercambio de conocimientos durante décadas. A continuación, se exponen algunos ejemplos clave de esta cooperación, demostrando su relevancia y resultados a lo largo del tiempo. Uno de los programas más destacados es ACERCA, de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), que desde 2010 ha capacitado a profesionales culturales en América Latina. En colaboración con el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA), ha organizado talleres y seminarios para gestores, curadores y artistas argentinos, como el seminario "Gestión de Patrimonio en Museos" en 2018, que reunió a expertos de toda Iberoamérica, promoviendo no solo el intercambio de conocimientos, sino estableciendo redes de colaboración a largo plazo. VALLADOLID, ciudad volcada en la promoción de la cultura latinoamericana, ha sido escenario de diversos programas de intercambio artístico con Argentina. Desde 2009, la Fundación Patio Herreriano, en colaboración con la AECID, ha organizado el ciclo Arte Contemporáneo Latinoamericano, donde artistas argentinos como Marta Minujín y León Ferrari han expuesto su obra. Este ciclo no solo lleva el arte argentino a Europa, convirtiéndose en una valiosa plataforma para fomentar diálogos creativos entre artistas de ambos continentes. La Comunidad Autónoma de ANDALUCÍA, a través de su programa ARTESUR, ha desarrollado fructíferas colaboraciones con instituciones argentinas. Entre 2016 y 2019, facilitó residencias para artistas visuales argentinos en Sevilla, cuyos trabajos se presentaron en la Bienal de Flamenco. Estos intercambios no solo fortalecen los lazos entre las culturas hispanoamericana y española, sino ofrecen a los artistas un espacio para explorar nuevas formas y técnicas, que posteriormente enriquecen las escenas artísticas de sus países de origen. MADRID ha sido un socio clave en la cooperación cultural con Argentina, destacándose por su programa Residencias Matadero Madrid. Desde 2011, ha acogido a numerosos artistas argentinos, ofreciéndoles la oportunidad de desarrollar proyectos y exhibir su trabajo en la ciudad. En 2022, Gabriela Golder, reconocida artista argentina, realizó una residencia en Matadero Madrid, creando una instalación de videoarte que posteriormente se presentó en el Museo Reina Sofía. Estas colaboraciones son ventana internacional para los artistas argentinos, que permiten al público europeo descubrir la rica diversidad cultural de Argentina. BARCELONA ha fortalecido sus lazos con Buenos Aires a través del Institut Ramon Llull, que impulsa intercambios culturales entre Cataluña y América Latina. En 2017, se firmó un acuerdo de cooperación entre el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y su homólogo en Barcelona, facilitando el intercambio de exposiciones y la formación conjunta de curadores. Gracias a este acuerdo, obras de destacados artistas argentinos como Julio Le Parc y Rogelio Polesello han sido exhibidas en Barcelona, mientras que artistas catalanes han encontrado una plataforma en Buenos Aires para presentar su trabajo. Estos programas han impulsado intercambios creativos con un notable impacto económico y social, aumentando el turismo cultural. Por ejemplo, la exposición "Tensiones y tensiones" en Madrid, 2019, atrajo más de 25.000 visitantes en tres meses. Desde 2010, AECID ha mantenido un ritmo constante de intercambios artísticos con América Latina, muchos de ellos en Argentina, demostrando el compromiso de España en promover la cultura argentina a nivel internacional y subrayando la necesidad de seguir fortaleciendo estos lazos. El Proyecto Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly se presenta como un faro de esperanza para los artistas del Chaco, una provincia modesta pero rica en talento, donde las oportunidades de proyección han sido escasas. Lejos de Buenos Aires, este museo podría abrir puertas que hasta ahora parecían inalcanzables, conectando a los creadores locales con el mundo global del arte. Siguiendo el legado del maestro Sánchez Kelly, no solo conservará su obra, sino que continuará su misión de formar y apoyar a las nuevas generaciones, un espacio donde el arte trascienda fronteras y transforme destinos, demostrando que incluso en los márgenes, el talento puede cambiar el mundo.